Citiți Primul capitol al lui B. Ruby Rich, „New Queer Cinema: The Director’s Cut”, un „Must-Read” pentru oricine, chiar de la distanță, interesat de cinema LGBT

La douăzeci și unu de ani după ce a inventat sintagma „nou cinematograf careresc”, criticul, jurnalistul și savantul B. Ruby Rich oferă o culminantă remarcabilă a muncii pe care a făcut-o de atunci cu antologia ei recent lansată pe această temă, New Queer Cinema: The Director Cut.



„Am fost întrebat de ani buni,„ ce a făcut acest lucru pe care eu îl numesc „noul cinematograf nelipsit”, a spus Rich la o recentă lansare pentru cartea din Toronto. „M-am gândit la asta și m-am gândit la asta în timp ce încheiam asta
carte. A trebuit să vin cu un răspuns pentru că trebuie să fie în
introducere. Și în cele din urmă am decis - și chiar m-am distrat
mergând în jur spunând asta - acel nou cinematograf neobișnuit a ieșit din
conjuncția a patru lucruri: Reagan, SIDA, invenția camerelor video -
multumesc, Sony - si chirie ieftina. Cred pe deplin că toți cei patru
lucrurile - care s-au reunit la sfârșitul anilor '80 și începutul anilor '90 -
a dus la această mișcare. '

Rich a explicat cum acest moment a devenit o mișcare care atunci - spre groaza ei a devenit o piață de nișă.

„Și apoi spre deliciul tuturor sau
groază - în funcție de cine sunteți - a devenit un cu totul alt tip
film principal, continuă ea. „Așa că astăzi vom primi„ În spatele candelabrei ”sunt
descoperind că ultima frontieră a plecat pentru eroii hollywoodieni accidentați
este în sfârșit să pășești și să joci gay. Acest lucru a devenit, a devenit un
nouă frontieră pentru Michael Douglas. Nu trebuia să se dovedească asta
cale.'

Oricine are chiar un interes trecător pentru cinematograful LGBT ar trebui să plaseze rapid această carte în fruntea listei de lecturi de vară. Dar pentru a începe, Indiewire oferă primul capitol complet după imaginea de mai jos. Și dacă aveți atât de norocul să fiți la Provincetown Film Festival, consultați citirea și semnarea cărților lui Rich la Biblioteca Provincetown astăzi la 17:00. Puteți cumpăra și cartea aici. - Peter Knegt

Înainte de început:
Linii și preconcepții

cel mai bun film 2016 oscar

Nimic nu începe de la început, nu chiar. Primul capitol al fiecărei cărți are deja un backstory, fiecare naștere mitul concepției sale, în fiecare deceniu umbra celei dinaintea ei. Noul Queer Cinema nu face excepție. Prima generație de realizatori nqc, și mulți care au urmat, au fost bine versați în lucrările și viețile predecesorilor lor, pionierii care și-au pierdut roțile de căruță pe drum spre un alt mod de a fi. Toți vizionau filme cu mult înainte de a-și crea propriile, iar urmele educației cinematografice sunt codificate în propria lor lucrare, explicit sau implicit.

Memoria în Statele Unite este de scurtă durată, iar memoria culturală nu este diferită. Cu fiecare nouă tehnologie care debutează, eoni de filme, videoclipuri și scrieri anterioare dispar în ceața vechii tehnologii, de neatins peste granițele formatelor defazate, cărților neimprimate, revistelor defuncte. Dacă markerii anilor '80 trăiesc puțin mai mult în înfloririle din New Queer Cinema, suntem mai bine să ne amintim. Mișcările de istorie și cinefilie cer recunoaștere. NQC nu a venit de nicăieri: a venit de (aproape) peste tot.

Sugestii și licăriri

Luați în considerare starea “; gay și lesbiene ”; filme teatrale în Statele Unite înainte de 1969. În mod evident, nu a existat așa ceva, doar o împrăștiere a regizorilor gay și lesbiene, adesea închise, făcând filme care se mascau ca un tarif heterosexual pe piața de masă, deși cu ocazionalul actor homosexual sau lesbian sau subtil a face cu ochiul. Dacă personajele erau identificate în mod deschis ca homosexuale sau lesbiene pe ecran, cel mai adesea a fost pentru o linie de pumn sau dispariție tragică. George Cukor, Dorothy Arzner, James Whale: erau pe cale să se încadreze, să nu stea “; afară. ”; În schimb, au existat audiențe homosexuale și lesbiene care au adoptat anumite filme ca subtexturi celebre, limbaj codificat, au cunoscut suficiente bârfe pentru a putea identifica actori și actrițe gay și lesbiene și s-au mândrit să fie suficient de adepți pentru a citi propriile dorințe în parcele. Categoria a fost una relațională, constituită prin interacțiunea telespectatorilor cu filmele.

Povesti gay, lesbiene, estetice și realizatori au fost găsite în altă parte în cinematograful avangardist al vremii. Cineaștii din New York, James Sibley Watson și Melville Webber, au fost printre primii, cu The Fall of the House of Usher (1928) și Lot in Sodom (1933). Poetul expatriat american H.D. și iubitul ei Bryher au fost în Elveția, unde au publicat jurnalul de film Close Up și made Borderline (1930), un lungmetraj cu H.D. și Paul Robeson, împreună cu Kenneth MacPherson, iubitul H.D. ’; s și soțul lui Bryher ’; atunci, înainte de a deveni “; gay ”; (sau gayer).

Cinematograful de avangardă postbelic dezvoltat în Statele Unite a fost scris pe termen lung în ceea ce privește experimentarea sa, invenția estetică și sensibilitatea modernistă. Ceea ce s-a remarcat rar este că această avangardă timpurie este în mod evident un cinematograf homosexual (deși nu lesbian), unde artiștii care se închid din alte lumi ar putea găsi expresie. Începând cu 1947 cu Kenneth Anger ’; s Fireworks, “; underground ”; cinematograful va crește pentru a include Jack Smith, Gregory Markopoulos, Taylor Mead, George Kuchar, James Broughton, Nathaniel Dorsky, José Rodriguez-Soltero și cel mai cunoscut și de succes dintre ei, Andy Warhol. Istoriile oficiale ale noului cinematograf american, înregistrate de cronicarii heterosexuali nu iau notă de sexualitatea atâtor dintre practicienii săi sau leagă estetica lor de subculturile și tradițiile cărora le-au fost tributate. Astăzi este imposibil să arătați Anger ’; s Scorpio Rising (1964) sau Markopoulos ’; s Twice a Man (1963) fără a face față neîncrederii din partea publicului cu privire la modul în care acestea nu ar fi putut fi considerate vreodată filme gay. Avangarda americană a fost într-adevăr un loc foarte obișnuit, ascunzându-se la o vedere simplă ani de zile până când a fost în siguranță să iasă.

De asemenea, în Franța, un nou cinematograf era în construcție. Cel mai rezistent film gay din această perioadă a fost Jean Genet ’; s Un Chant d ’; Amour (1950). Bazat pe amintirile închisorii și regimurile erotice ale acesteia, aceasta ar fi o influență majoră asupra lui Todd Haynes și alții. O audiență mai largă s-ar putea orienta către cinematograful de artă european, cu îndelungata sa tradiție de cineaști și filme gay în mod deschis. Luchino Visconti ’; s The Leopard (1963) și Death in Venice (1971) și Pier Paolo Pasolini ’; s Teorema (1968) au influențat o generație. Lesbianismul a fost încă un aspect pentru gusturile voyeuriste - Claude Chabrol ’; s Les Biches (1968) sau Bernardo Bertolucci ’; s The Conformist (1970) - cu toate acestea, filmele au fost adaptate cu nerăbdare de spectatori lesbieni cu imagini. Dacă indicii și sclipiri erau moneda vremii, ei bine, publicul homosexual și lesbian era obișnuit să citească între cadre.

După Stonewall

Când Gay Liberation a sosit, a venit mână în mână cu filmele. Legendarul revoltă Stonewall a început în noaptea de 27 iunie 1969. A fost ziua înmormântării lui Judy Garland ’; la uptown-ul Frank E. Campbell Funeral Home, care rămăsese deschis noaptea precedentă pentru a găzdui zdruncinarea plângerilor plângând în linii. în jurul blocului care așteaptă să vadă caseta și să-și ia adio idolului. Garland a fost și o icoană homosexuală și este ușor de imaginat că în noaptea lui Judy ’; năvârșirile, butucurile, reginele și tranșeele înverșunate nu aveau de gând să ia niciun fel de intimidare de către poliția care a atacat în mod obișnuit barurile gay. Pentru Judy, ei au luptat înapoi. Și în acel moment, și în ziua luptei stradale care a urmat, s-a născut o nouă eră. Și cu ea, un nou cinematograf.

În Statele Unite, cinematografia homosexuală și lesbiană apărută în anii '70 a pus accent pe munca documentară și experimentală. În 1971, pe coasta de vest, documentarul Milton Miron ’; s Tricia ’; s Wedding (1971) a surprins The Cockettes pentru posteritate, iar Jim Bidgood ’; s Pink Narcissus (1971) au actualizat cinematografia experimentală pentru noua eră. Jan Oxenberg ’; s O comedie în șase acte naturale (1975) a devenit un clasic al cinematografiei lesbiene. În zona golfului, realizatorii Curt McDowell (prieten și discipol al lui George Kuchar) și Barbara Hammer au creat o estetică pentru scena homosexuală și lesbiană care explodează în jurul lor în Thundercrack! (1975) și Dyketactics (1974). În 1977, documentarul de reper Word Is Out: Stories of Some of Our Lives a fost lansat (colectiv). A fost făcută în timp ce Harvey Milk era încă în viață, iar băile din cartierul Castro și încă erau aburi.

În ciuda unor astfel de clasice de pe West Coast, cinematograful gay ar deveni cel mai ferm bazat în New York City, metropola aflată în sticlă, unde a înflorit în mijlocul altor arte și figuri subculturale ale vremii sale, de la Allen Ginsberg la Frank O ’; Hara, de la Langston Hughes la Djuna Barnes . De fapt, istoria orașului New York ar trebui privită în ceea ce privește istoria sa homosexuală și lesbiană la fel de mult ca și istoria italiană sau puertoricană sau irlandeză sau evreiască; bărbații homosexuali și lesbienele au fost și ei imigranți, făcând parte din marea migrație internă care a părăsit inima pentru coaste în căutarea unei vieți mai bune.

Publicul s-a uitat îndelung la cinematografia europeană pentru sofisticare sexuală, iar acest lucru a continuat să fie cazul chiar și după Stonewall, deoarece acolo s-a dezvoltat un cinematograf homosexual și lesbian. În 1971 Sunday Bloody Sunday a apărut John Schlesinger ’; s; în 1978, Ron Peck ’; s Night Hawks au descoperit Londra homosexuală. Filmele gay de Stephen Frears ’; s gutsy My Beautiful Laundrette (1985) și Prick Up Your Ears (1987) au deschis o epocă a franchezului abia rivalizată de atunci. În Germania, R. W. Fassbinder, Ulrike Ottinger și Frank Ripploh (Taxi Zum Klo, 1980) erau toți în prim-plan. În 1981, când Vito Russo a publicat Celluloid Closet, domeniul era deja în schimbare: un cinematograf american independent urma să pună capăt binarismului filmului american.

Când Christine Vachon a pornit, ea a spus, „ldquo; au existat filme extrem de experimentale și au fost filme de la Hollywood, dar nu a existat o mulțime între ele. ”; Nu foarte mult, nu, dar a existat unul. La Sundance, în 1988, am fost escortat pe o scară răgușitoare la Teatrul Egiptean și m-am așezat într-un scaun pliabil, lângă cabina de proiecție, de către Tony Safford, directorul festivalului ’; Acolo am văzut premiera mondială a lui John Waters ’; s Hairspray, filmul care i-a adus sensibilitatea radicală în fața unui public principal. Mulțimea a înnebunit, iar Hairspray a câștigat marele premiu al juriului ’; Waters prevestește New Queer Cinema de zeci de ani; el este o creatură a trecutului hippie, revoluția contraculturală, o epocă pre-Stonewall a șocului și a uimirii. El ’; s o parte indelebilă din preistoria nqc, un sfințitor care prezidează faptele sale, chicotindu-și nebunia, aplaudând succesele sale.

John Waters a fost acolo prima dată. El și filmele sale au fost formate din zilele prelapsariene exuberante din anii '70, după eliberarea homosexualilor, înainte de ajutoare. Stilul mărcii Waters, cu sensibilitatea și nerăbdarea sa în tabără atât cu heteronormativitate, cât și cu homonormativitate, este bine reflectat în New Queer Cinema, de parcă trăsăturile sale ar fi așteptat tot timpul ca o genă recesivă. O strigare, apoi, tatălui mereu dintre noi toți, cel cu mustața Maybelline, domnule Waters.

Întâmplarea filmului american independent

Dacă apariția unui cinematograf independent american este terenul fertil din care va sari în curând New Queer Cinema, atunci anul 1985 este la fel de aproape de momentul său definitoriu ca oricare altul. În acel an, Susan Seidelman ’; s Desperately Seeking Susan and Donna Deitch ’; s Desert Hearts a încântat o nouă generație de audiențe și cineasti lesbiene și a arătat că este posibil să realizeze un film sexy care să poată împuternici femeile și chiar lesbienele și joacă de fapt în teatre, ceva ce nu a fost luat de la acel moment.

Alte patru caracteristici independente americane, toate lansate la mijlocul anilor '80, ies în evidență ca precursoare ale cinematografiei New Queer timpurii: Lizzie Borden ’; s Born in Flames (1983), Gus Van Sant ’; s Mala Noche (1985), Bill Sherwood ’; s Parting Glances (1986) și Sheila McLaughlin ’; s She Must Being Things (1987). Toți patru au strălucit un traseu de inovație formală, sexualitate neobișnuită și narațiune excentrică care a informat profund pe primii producători de film din NCC. Toate cele patru au fost pachete cu buget redus, emise lumii de către comunități de străini, care pretindeau un mod nou și autentic de a fi: sexual, a / politic, curajos și, nu întâmplător, urban.

Lizzie Borden a făcut parte dintr-o lume de artă radicală din centrul orașului care a inclus Adele Bertei, Cookie Mueller, Kathryn Bigelow și o serie de alții. Născutul ei în flăcări a fost un exercițiu de imaginație utopică, stabilit în viitorul apropiat, cu femei care se luptă cu o stare indiferentă. Femeile de la Radio Ragazza și Radio Phoenix se leagă în acțiune, luptă cu puterile care sunt, formează brigade pentru biciclete și chiar aruncă turnul de transmisie pe acoperișul World Trade Center. Conceput în perioada de apogeu a feminismului, a jucat Honey, liderul afro-american al Radio Phoenix și partenerul Borden ’; la acea vreme. Fața lui Honey ’; a dominat afișele filmului, tencuindu-se peste pereții de construcție a placajului din Manhattanul de jos, cu o privire sfidătoare, irezistibilă. Eliberat când Ronald și Nancy Reagan au locuit la Casa Albă, Born in Flames a oferit o viziune a unei lumi diferite. Coloana sonoră a apărut direct din trupe, precum trupe precum Red Crayons și Honey ’; Cu o viziune agitată a organizării politice și a militanței, a fost o experiență viciară a luptei cu puterea într-un univers alternativ și sexy.

În același timp, în toată țara, Gus Van Sant s-a întors în Portland după ce a încercat să intre în industria cinematografică din LA. El a apelat în schimb la filmul cu buget redus, cu lungmetrajul său de debut Mala Noche, bazat pe romanul autobiografic de Portland ’; fiul natal, Walt Curtis. Filmat în alb-negru atmosferic, se concentrează pe un univers de rânduri de derapat populat de eponimul Walt, un funcționar anglo-clasic, și de tinerii muncitori disperați pe care îi întâlnește, poftește și încearcă să intre patul său cu oferte de 15 dolari. Unul dintre puținele filme care se uită la economia erotică a întrecerilor gay, dorința de clasă încrucișată, avea o intensitate creativă cel puțin la fel de puternică precum încărcătura sexuală. Un stil plin de viață și o narațiune neliniară neplăcută au sfidat filmele neobișnuite ale spectatorilor vremii, apelând în schimb la o trupă de aventurieri subculturali. De exemplu, Mala Noche a anunțat cum au fost reprezentările homosexualilor îmblânziți și a sugerat potențialul mediumului de a capta viața așa cum a fost trăită, în afara ecranului, dacă numai cineastii ar îndrăzni.

O formă mai convențională, dar nu mai puțin radicală la subiecte și teme, Bill Sherwood ’; s Parting Glances au construit o piesă de probă foarte diferită. Steve Buscemi era Nick, un om acerbic fără iluzii care trăia cu ajutoare într-un apartament minuscul din New York, la care a fost ocupat fostul său iubit. A fost primul rol principal al lui Buscemi ’; Sherwood a fost primul care a adus pe ecran realitățile quotidiene ale ajutoarelor, prezentând ororile bolii cu o claritate de fapt, care era exact opusul demonizării isterice din titluri de ziare, știri de televiziune și propagandă guvernamentală a vremii. A fost un film extrem de important pentru comunitatea homosexuală a orașului, filmat în 1984 și lansat în 1986, cu un an înainte de fondarea coaliției pentru ajutoare pentru dezlănțuirea puterii (act up). Calitățile sale au fost cele ale filmului independent timpuriu: comunități nereprezentate, producție cu buget scăzut, personaje apărute în viața de zi cu zi, dar niciodată în filme. Un bărbat homosexual cu ajutoare se încadrează cu siguranță în factură, în special unul care era plin de opinii cu privire la barurile și relațiile și cuierurile din New York. Era plin de cinism catty și romanticism prudent, cu vise și disperare de a se potrivi. Ca și noi.

La fel de revelator a fost reprezentarea dorinței lesbiene desenată de Sheila McLaughlin ’; s She Must Be See Things, care și-a atras temele din viața ei și din legenda Catalina de Erauso din secolul al XVII-lea („ldquo; locotenent Nun ”;), stilul său din activitatea tabu-de-rupere a spectacolelor într-un teatru din magazinul din East Village, lângă locul în care locuia însuși McLaughlin. Lois Weaver Wow Café ’; s a jucat ca Jo, un producător de film care are probleme să-și păstreze iubita fericită, viața ei pe cale și filmul său încasat în bani. Sheila Dabney, membră a companiei de repertoriu fondată de renumita dramaturgă lesbiană cubaneză Irene Fornes, a jucat-o pe prietena sa paranoică Agatha, convinsă că Jo o înșală cu un bărbat în echipajul ei.

Remarcabil pentru un film care astăzi pare atât de nevinovat, She Must Beinging Things a îndurat tipurile de lupte care au izbucnit în anii nqc. Acesta a fost denunțat de un grup de feministe antiporn, inclusiv Sheila Jeffreys din Marea Britanie. În Statele Unite a împărțit mulțimea după ideologie, căci a ajuns la apogeul războaielor feministe “; Sex Wars. ”; Filmul lui McLaughlin ’; a devenit un exemplu în privința ambelor părți și a ajutat să conducă spre noile reprezentări neobișnuite care se lăsau chiar după colț.

Toate cele patru filme au fost filmate în 16 mm, semn al erei lor predigitale. Toate realizate cu un buget mai redus, s-au abătut de la estetica consacrată, urmând un aspect urban aspru, folosind prieteni ca actori, folosind apartamente sau mansarde împrumutate pentru locații, împrumutând chiar și trecătorii pentru demonstrații și mitinguri. Toți patru au lovit lovituri, eroii și eroinele subculturale care așteptau atât de mult în aripi. Viața merge înainte. Bill Sherwood a murit în 1990 din cauza complicațiilor cauzate de ajutoare, fără să ajungă vreodată să facă un alt film. Sheila McLaughlin a încetat să mai facă filme; locuiește în același apartament din East Village, unde a filmat, dar astăzi este unul dintre cei mai buni acupunctori și New York. Lizzie Borden a mai făcut încă două filme și acum locuiește în L.A., dar Honey, vedeta și prietena ei de-a lungul vieții, a murit din cauza insuficienței cardiace congestive în primăvara lui 2010.

Inovatiile

Purtătorii de la NQC s-au zbuciumat de-a lungul anilor '80, în timp ce realizatorii s-au străduit să înțeleagă vremea. Sau să te distrezi. În 1987, un mic film intitulat Superstar: The Karen Carpenter Story a făcut o satiră atât de strălucitoare a culturii pop Nixonian, încât realizatorul Todd Haynes a devenit o senzație imediată, deși a fost la doar doi ani de la facultate. În același an, Isaac Julien ’; s This Is Not an Aids Advertisement și John Greyson ’; s Epidemia ADS a revenit la campaniile oficiale de combatere a fricii împotriva ajutorului, folosind noul limbaj al videoclipului muzical. Umorul și parodia Greyson ’; s-au folosit versuri ca manifest: “; Aceasta nu este o moarte în Veneția, este o amenață clară, neîngrijită, dobândită de temutul sexului. ”; Julien ’; s take a fost elegiac, o indignare supusă care scăpa de dorință și solicita demnitate.

filmul cu păpuși

În căutarea lui Langston în 1989, Julien s-a mutat într-o rescriere sincretică, meditativă a istoriei, înfăptuind Langston Hughes doar pentru a fi cenzurat de o moșie nefericită a lui Hughes, care a refuzat drepturile de autor și a obligat Festivalul de Film din New York să-l ecraneze cu părți ale coloanei sonore mut . Căutarea a căutat să îmbine o serie de strategii cinematografice (reîntoarcerea la filmul alb-negru, încorporarea de fotografii și imagini arhivistice, o îmbrățișare post-brechtiană a teatralității și artificialității) cu dragostea sa pentru cultura pop (Jimmy Sommerville, rezonanțele lui Robert Mapplethorpe, Andy Warhol) pentru a revendica istoria copiilor negri neobișnuiți scrise din ea. Statutul său de lucrare strălucită a fost probabil confirmat de atacurile pe care le-a provocat pentru a fi prea frumoase pentru binele propriu. Astăzi este „atât de clasic” încât este greu de reamintit controversele declanșate în anii 1980 sau vitejia care a produs-o.

Și sunt multe altele care au ieșit din solul fertil de la mijlocul anilor 1980 și au construit energiile și visele din care nqc-ul ar ajunge în vigoare în 1992. Deși nu fac parte din acest argument, acestea sunt lucrări cheie care merită o atenție serioasă. : în Canada, Richard Fung ’; s Orientări: asiatici lesbiene și gay (1984) și personaje chinezești (1986) și John Greyson ’; s Moscow Doesn ’; t Believe in Queers (1986) și Urinal (1988); în Regatul Unit, Stuart Marshall ’; s Bright Eyes (1986); în Statele Unite, Su Friedrich ’; s Damned If You Don ’; t (1987), Marlon Riggs ’; s Tongues Untied (1989) și Jenny Livingston ’; s Paris Is Burning (1991). Banca de date video din Chicago și rsquo; s au angajat Bill Horrigan și John Greyson să compileze un program în trei părți, Video contra SIDA (1989), pentru că video a fost locul în care s-au găsit cele mai experimentale lucrări și cele mai urgente urlete. Artistul video Gregg Bordowitz, care a lucrat cu divatv, Testing and Limits și GMHC ’; s Living with AIDS (1984 - 86), a făcut Fast Trip, Long Drop (1993), o meditație hibridă asupra vieții sale și ironia comunității aprobate ajută mesaje. În 1990, renumita dansatoare, coregrafă și realizatoare Yvonne Rainer a anunțat, “; I am out. mic o. ”; Ea a început să trăiască deschis ca lesbiană în acea perioadă și a declarat că omorul și crima (1996) a fost aproximativ trei grupuri nesăbuite - lesbiene, bătrâne și supraviețuitori de cancer. Deviatul celor blestemați și disperați. ”;

memoriale

Împotriva șanselor și forțelor împotriva lor, producătorii au creat un nou film vernacular video. O generație și-a turnat inima și sufletul, șocul și furia în moduri de reprezentare capabile să învârtă stiluri noi din genurile vechi și noi din cele uzate. Înainte de apariția nqc-ului, mulți oameni vor muri, unii care au făcut filme, unii care au acționat în ei, unii care i-au urmărit.

În Martin Scorsese ’; s Public Speaking (2010), Fran Lebowitz spune ceva I ’; nu am mai auzit pe nimeni să spună înainte: ajutoarele nu au ucis doar cei mai buni artiști ai unei generații, dar și cei mai buni publici. 21 Este un adevăr evident. și una care mă bântuie în timp ce mă gândesc la o generație pierdută și la vocile ei. Revăzând vechea capotă, am fost urmărit de fantome. Avenue A, vechea mea stradă, a fost inima unei scene culturale care a rămas de mult timp, mulți dintre denizenii ei morți și cei care au urmat de mult timp au fost decubați pentru Dumbo, Williamsburg, Fort Green, Bushwick, oriunde artiștii își pot permite încă chiria. .

În 2010, Ira Sachs a creat Last Address, o mărturie elegantă a reședințelor finale ale multor artiști iubiți din New York, care au murit de SIDA. La început, el ne oferă doar zgomotul străzii și fotografii exterioare ale clădirilor, peisaje urbane care nu dezvăluie nimic - până când pe ecran apare un titlu: un nume, o adresă. Este o lucrare care se potrivește cu geografia actuală a orașului cu viața celor plecați. Aici, în aceste scene din (în mare parte) Manhattanul de jos sunt urmele a ceea ce a decurs în anii 1980, contribuțiile fabuloase și artiștii și-au amintit chiar și atunci când străzile și-au șters urmele. Ultima adresă face genul de muncă la care aspir, munca de a nu doar să doliu, ci să-mi amintesc și să continui, ținând ușa deschisă în același timp pentru noii vecini care continuă să sosească, atrași de apelurile sirenelor și sirenele din trecut și speranțele și visele viitorului.

Completează primul capitol după imagine. Copyright Duke University Press, 2013. Cumpărați cartea aici.



Top Articole

Categorie

Revizuire

Caracteristici

Știri

Televiziune

Setul De Instrumente

Film

Festivaluri

Opinii

Premii

Box Office

Interviuri

Clickables

Liste

Jocuri Video

Podcast

Conținut De Marcă

Premii Sezonul Reflectorizant

Camion De Film

Influențatori